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somos la única galería peruana especializada en fotografía

galería el ojo ajeno

Fundada en el año 2000, El Ojo Ajeno surge como un espacio de exposición dedicado a la difusión de la fotografía en sus distintas manifestaciones, pero con un énfasis especial en la exhibición y venta de fotografía artística contemporánea. Es, desde entonces, la única galería peruana especializada en fotografía y presenta regularmente obra de creadores peruanos y extranjeros de primer nivel.

En El Ojo Ajeno se han expuesto los trabajos de reconocidos artistas como Ananké Asseff, Marcelo Brodsky, Marcos López, Esteban Pastorino (Argentina), André Cypriano, Denise Gadelha, Cassio Vasconcellos (Brasil), Patrick Hamilton (Chile), Connie Imboden (Estados Unidos), Joan Fontcuberta (España), Jeanloup Sieff (Francia), Luis González Palma (Guatemala), Tina Modotti (Italia), Flor Garduño (México), Pablo Hare, Jorge Heredia, Roberto Huarcaya, Antonio Ramos, Mariano Zuzunaga (Perú), Werner Bischof y Olaf Breuing (Suiza) o Alexander Apostol (Venezuela). La galería da espacio, además, a muestras de jóvenes artistas peruanos así como a exposiciones de carácter histórico.

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Galería el ojo ajeno

exhibición actual

No ficción (No documental)

Samuel Chambi
24 Apr 2017 - 24 Apr 2017

Sin importar cuantas veces se declare su abolición, la comprensión de la fotografía como registro de lo real siempre vuelve a constituirse. Como una filtración que no puede ser contenida, la responsabilidad que el pensamiento moderno asigna a la representación fotográfica nos dificulta asimilar las retóricas de lo particular. Aun cuando comprendamos el rol del autor en la creación de imágenes fotográficas, subsiste la lectura realista de los hechos registrados. Una posible explicación es la función social que aún guarda la fotografía en nuestra vida cotidiana, donde habita nuestras interacciones como documento burocrático, evidencia, prueba médica, noticia, etc. Su estatus parece tan estable que cualquier sujeto o institución con acceso a la reglamentación de su naturaleza tiene en sus manos el orden social.

La obra de Samuel Chambi Flores orbita en torno a esta tensión. Su trabajo como artista visual está siempre en busca de fisuras en los discursos sobre la producción fotográfica contemporánea. La exposición “No ficción (no documental)” continúa esta apuesta reflexiva, esta vez enfocándose en la economía visual del documentalismo fotográfico.

Crear un documento es crear un dispositivo para el control y, en consecuencia, la práctica de lo que llamamos documentalismo fotográfico sirve tanto como ejercicio de poder como de resistencia, donde el potencial reside en la capacidad de inscribir puntos de vista como descripciones justas de algún fenómeno humano. Si lo que vemos en una fotografía documental es verosímil, esta se vuelve representación y los sujetos atrapados en su territorio se tornan actores en el flujo constante que construye nuestra imagen del mundo. Poco a poco, la homogeneidad en las representaciones oscurece la heterogeneidad del contexto y, no sin oposición, sus personajes pasan a cumplir un rol en la pugna del autor por reclamar la soberanía de la interpretación.

En un continente multicultural como el nuestro, parece imposible evitar que el documentalismo fotográfico se embriague de otredad. Una y otra vez volvemos al registro persistente de la diferencia hasta que algunos escenarios y eventos empiezan a tornarse comunes. En ellos encontramos sujetos que se homologan ante la mirada técnica del aparato fotográfico y, ordenados para el consumo, pierden la posibilidad de presentarnos una identidad particular.

Las obras que conforman esta exposición se aproximan a cierta estética documental para incitar una discusión. Sobre escenas listas para representar, Samuel Chambi ha dispuesto una intervención pictórica que hace visible la mecánica de un orden de producción, circulación y consumo. Al poner en evidencia un modo de ver, con estas imágenes intervenidas Chambi busca hacer explícito el lugar del espectador en la construcción de un orden documental, señalando así la necesidad de una mirada crítica para navegar las imágenes de nuestra cultura en el contexto fotográfico contemporáneo.

Carlo Zevallos

Curador de la exposición

exhibiciones anteriores

  • Entremundos Javier Ferrand
    14 Sep 2016 - 14 Oct 2016

    Desde su invención, la fotografía se ha entendido como un medio de descripción visual: fotografiar fue primero la maravilla del registro infinitamente detallado de lo real y, luego, una forma mejor de registrar, en que mirar era descubrir una coherencia particular –el momento crucial de un acontecimiento, una singular configuración visual, la sugerencia de un valor metafórico– en lo real.

    Esta estética del descubrimiento, que se ancla en la relación entre la imagen y lo real, se ha visto erosionada de diversas maneras en los últimos tiempos: desde el modo mismo en que la ciencia y la filosofía conciben lo real hasta la revolución digital que ha alterado el valor de verdad que le adjudicamos a la imagen fotográfica. Y, en ese trayecto, la barrera que separaba el descubrimiento de la invención –la verdad de la ficción, incluso– ha comenzado a diluirse.

    Esa disolución, llevada al extremo, es lo que Javier Ferrand parece haber puesto en práctica en Entremundos. Aquí, asistimos a una suerte de renuncia a la fotografía como descripción –asistimos, ciertamente, a su alejamiento de la fotografía modernista– en una búsqueda que se aproxima lo más posible a la invención.

    Las imágenes que componen esta serie han sido creadas en condiciones que bien podrían ser descritas como “de laboratorio”: objetos traslúcidos dispuestos sobre superficies refractantes, distintas fuentes de iluminación –flash, fluorescente, luz incandescente continua, luz de día– distancia mínima entre los objetos fotografiados y la óptica de la cámara y esta enfocada al infinito y sujeta a basculaje y descentramiento.

    El resultado de todo ello son imágenes en que el referente, como objeto del mundo, desaparece ante el trabajo del fotógrafo con la luz, a tal punto que la sensación es de realidades inventadas o el –imposible– registro visual de abstracciones surgidas de quién sabe dónde. Metáforas perfectas para un mundo en que las certezas se desvanecen.

  • Propuestas Visuales 2016-I Egresados de la carrera profesional de fotografía
    05 Jul 2016 - 31 Jul 2016

    A partir del 5 de julio, abrió sus puertas al público la exposición Propuestas Visuales, que recoge los trabajos con los cuales se gradúan los miembros de la promoción 2016-I de la Carrera Profesional de Fotografía del Centro de la Imagen. Veintiséis egresados que exploran, cada uno a su modo, las posibilidades expresivas de la fotografía en sus proyectos de titulación.

    Es casi un ritual por el que nuestros alumnos deben pasar para poder graduarse: al final de su sexto ciclo en la Carrera Profesional de Fotografía, cada alumno debe presentar un proyecto de titulación –que consiste en un trabajo fotográfico y una monografía que lo sustente– frente a un jurado calificador. Ahí, explican su proyecto y se someten a las preguntas y críticas de los miembros del jurado compuesto por profesores del Centro de la Imagen y por personas ajenas a la institución, sean fotógrafos, artistas, arquitectos o especialistas en cultura visual de otras disciplinas. De pasar satisfactoriamente la prueba, los alumnos habrán concluido con su formación profesional.

    De acuerdo con Flavia Gandolfo, coordinadora académica de la carrera profesional, “a lo largo de los seis semestres de formación, se va desarrollando de manera progresiva la noción de proyecto fotográfico. Esto tiene que ver, ciertamente, con la técnica, pero también con el desarrollo conceptual y su sustentación. Implica la producción de imágenes, al elección de un lenguaje fotográfico adecuado al tema que hayan decidido tratar, la edición, la elección del formato de presentación… son infinidad de factores”.

    Luz María Bedoya, quien dicta el curso de titulación junto con Flavia, destaca la importancia de esta apuesta pedagógica: “Lo que planteamos es que los alumnos puedan desarrollar, con consecuencia, un proyecto que nazca de su interés personal, dado que la carrera y la escuela apuntan a la diversidad creativa en vez de a guiar a los alumnos hacia un tipo particular de producción fotográfica. Nos interesa justamente que ellos puedan detectar sus propios intereses y que los asesores y profesores –los que estamos alrededor– podamos interpretar los intereses de cada estudiante para acompañarlos en ese desarrollo, tanto en lo teórico como en lo práctico. Al fin y al cabo, lo que se cultiva la diversidad. Y esta propuesta de formación es aplicable a todo trabajo fotográfico, sea artístico y de expresión personal o sea de cualquiera de las ramas de la fotografía comercial”.

    Es por ello que en el Centro de la Imagen insistimos en que nuestro enfoque apunta a la formación de creadores visuales. Una vez alcanzada esa solvencia en el manejo de distintos lenguajes, adecuados para abordar distintos temas, nuestros egresados pueden desenvolverse en cualquiera de las ramas de la fotografía.

    Como ya se ha dicho, una de las características del trabajo en el Centro de la Imagen es la diversidad. Eso es algo que queda claro en los trabajos de titulación de los alumnos de la promoción 2016-I. En cuanto a técnica, quienes visiten Propuestas visuales encontrarán fotografía, por supuesto, pero también collage, proyecciones, tanto de foto fija como de video, e instalaciones que involucran desde escultura hasta conexiones entre el mundo real y el entorno virtual de Second Life en tiempo real y todo ello apelando a gran géneros diversos como el paisaje, el retrato, la naturaleza muerta, el fotograma y mucho más.

    Y en cuanto a temática, la diversidad es aún mayor. Alumnos como Gianella Espinoza y Alexander Caballero exploran su mundo familiar, aunque lo hacen, cada uno, desde perspectivas completamente distintas. Francesca Bernetti indaga en temas de memoria y pérdida a partir de los recuerdos de familiares de desaparecidos durante el conflicto armado que vivió el Perú entre 1980 y 2000, mezclando audio y fotogramas. Franco Guerra escanea placas radiográficas para crear imágenes que plantean, metafóricamente, la relación entre el espacio interior y la naturaleza del cosmos. Pablo Delgado utiliza el video para hablar del proceso de definición de la identidad personal en la adolescencia. Macarena Puelles, Alexander Caballero y Raquel Foinquinos abordan, desde distintas perspectivas, temas vinculados con la identidad y los problemas de género en nuestra sociedad. Renzo Iriarte pone en cuestión los límites de la realidad a partir de la interacción entre lo que sucede en la galería y el mundo virtual, por mencionar solo algunos ejemplos. En suma, una nueva promoción de creadores visuales con preocupaciones y lenguajes propios y mucho, mucho por decir.

    Con ustedes, la promoción 2016-I de Fotografía Profesional del Centro de la Imagen:

    Gianella Alfaro, Francesca Bernetti, Alexander Caballero, Tiziana Cerino, Arturo Campos, Winnie Chue, Alicia Corbacho, Pablo Delgado, Gianella Espinosa, Sofía Ferrari, Alexandra Feldmuth, Oscar Ferreyra, Raquel Foinquinos, Franco Guerra, Alejandra Ipince, Renzo Iriarte, Paola Jiménez, María Sofía Leon, Valeria Malpartida, Andrea Mondragón, Brenda Pastor, Macarena Puelles, Raquel Torres, Diego Vargas, Daniela Velásquez y Carlos Zapata.

  • Hay un más allá Hugo Vásquez
    08 Jun 2016 - 24 Jun 2016

    En el trabajo de Hugo Vásquez la presencia de veladuras ha sido una constante. Quizá como consecuencia de la grisura de Lima, Hugo fotografió personas mirando el mar, pero vistas a través de un plástico solo a medias transparente. Realizó retratos, pero apenas nos dejó ver a los individuos: el uso de distintos filtros permitía, apenas, entreverlos. Eran trabajos reflexivos, en los que tanto como aquello que era fotografiado, lo que Hugo nos ponía en frente era la materialización de la mirada misma.

    Parecería, entonces, natural que la atención del artista llegara a centrarse, tarde o temprano, en la veladura misma, en aquello que dificulta o hasta impide la visión. Esa es quizá la génesis de su proyecto Niebla, en el que el protagonismo de las imágenes se lo llevarían las nubes y la neblina y en el que, en una suerte de inversión poética, no hay ya nada más que ver que aquello que nos nubla la visión.

    Para un creador como Hugo, la búsqueda artística adquiere un carácter constante y por eso le depara, a la vuelta de un recodo en el camino o escondida en lo que parecía ser la búsqueda de otra cosa, hallazgos insospechados. En el caso de esta exposición, y tras varios experimentos con formatos distintos que intentaban darle la forma precisa a esas visiones de la niebla, un viaje familiar lo llevó a un lugar remoto en el que pudo ver y fotografiar el surgimiento de la niebla entre las montañas, su lenta invasión del espacio visible hasta conquistarlo por completo.

    Lo que seguiría –y lo que el espectador tiene ante sus ojos en esta muestra– fue el desarrollo de una relación personal con ese fenómeno natural. Ahí están, para atestiguarlo, las imágenes de la niebla que le pone un límite a la visión, un límite concreto pero a la vez etéreo e inasible como las partículas de agua suspendidas en el aire. Pero están también los distintos experimentos –la generación de su propia niebla, los juegos con espejos, los videos– en que la búsqueda adquiere madurez y va más allá de la simple contemplación para convertirse en generación de posibilidades simbólicas: nublar la visión, quedarse en blanco, perderse, en fin, como formas de descubrir y asegurar que, a pesar de todo, hay un más allá.

  • Desterritorialización del paisaje glaciar Alejandro León Cannock
    04 Mayo 2016 - 27 Mayo 2016

    Con el apoyo de la Agencia Suiza para el Desarrollo y la Cooperación (Cosude), la Fundación para el Desarrollo Sostenible de las Regiones de Montaña, con base en Suiza, lleva adelante el proyecto SMArt (Arte Sostenible de Montaña, por sus siglas en inglés) como una plataforma cultural que permita dar visibilidad a los retos que enfrentan las regiones de montaña –cambio climático, manejo del agua, migración, seguridad alimentaria– en todo el mundo.

    Como socio local de SMArt, el Centro de la Imagen presenta Desterritorialización del paisaje glaciar, exposición que reúne el trabajo realizado por Alejandro León Cannock en el marco del proyecto SMArt, primero durante una residencia artística en Villa Ruffieux –en la localidad de Sierre, Cantón de Valais (Suiza)– y luego en el nevado del Pastoruri en Áncash.

    Partiendo de la idea de territorio como una unidad conceptual que surge de la relación de la gente con su entorno, Alejandro León Cannock desarrolló su trabajo en Suiza como una suerte de investigación, entre científica y estética, sobre el paisaje glaciar, atendiendo a preocupaciones ambientales, pero también sociales y políticas.

    Es así que, en Desterritorialización del paisaje glaciar, el espectador encontrará una representación del paisaje como atractivo turístico –como en la serie Real Postcards–, como sustento de la vida –a partir de imágenes de los canales de irrigación y de los guardianes de esos canales– y como zona en riesgo por la desglaciación –como en los Paisajes parciales, que centran la mirada en el límite en continuo retroceso entre el glaciar y la montaña, o las infografías que documentan la vida de los glaciares del Cantón de Valais–.

    Como complemento de su trabajo en Suiza, Alejandro León Cannock viajó al nevado del Pastoruri, en Áncash, para incorporar a la muestra una mirada que atendiera a las mismas realidades pero en territorio peruano. Además de las inquietantes imágenes de texturas del paisaje glaciar, una imagen de lo que queda de un fallido parque jurásico en el Pastoruri –todo abandono y sinsentido– resume las perspectivas locales.

    Las rocas fotografiadas sobre fondos de color en el conjunto de Deconstrucciones del paisaje glaciar, por último, parecen encarnar la desterritorialización a la que hace alusión el título de la muestra, como aludiendo a lo poco que nos quedará cuando los glaciares ya no existan.

  • Miradas Cruzadas Gabriela Concha / Marie Leroux
    23 Feb 2016 - 18 Mar 2016

    Desde 2010, el Centro de la Imagen mantiene un programa de intercambio académico con la École Nationale Supérieure de la Photographie en Arles, Francia. Cada año seleccionamos a uno de nuestros alumnos para que viaje a Arles y recibimos a un estudiante francés en Lima. Durante su estadía en el exterior, ambos deben producir un proyecto fotográfico que luego se presenta al público en Miradas cruzadas, exposición bipersonal que se realiza tanto en Arles como en Lima.

    Titulado Mallku en honor a la divinidad andina de las montañas, el trabajo de Marie Leroux aborda la tensión entre el hombre y el medio ambiente a partir de la relación de los pobladores de la provincia de Sánchez Cerro, en Moquegua, con el volcán Ubinas, el más activo de los Andes peruanos. Vivir en la proximidad del Ubinas supone la aceptación del riesgo que entrañan las destructivas fuerzas encerradas en el volcán, lo que genera un sentimiento de quietud y temor, como a la espera del despertar de un poderoso dios destructor.

    Gabriela Concha, por su parte, presenta dos proyectos. Ángulo cero busca replantear la relación entre el ojo y la cámara a partir de un uso del dispositivo fotográfico que rompe con las convenciones establecidas, desde el Renacimiento, por el uso de la perspectiva en la representación visual. En Mirando en un plano interpuesto, el segundo de los proyectos de Gabriela, se utiliza un espejo espía como dispositivo para poner en escena lo fotográfico: el sujeto de la imagen se ve a sí mismo reflejado en el espejo y compone con él un retrato efímero. Desde el otro lado, Gabriela registra la escena completa: sujeto, espejo y alrededores, pero es incapaz de retratar lo que el sujeto ve en su reflejo. Una hermosa metáfora de lo que podemos –y no podemos– ver con la fotografía.

artistas

  • Camila Rodrigo

    (Lima, 1983). Estudió Fotografía en el Centro de la Imagen y una maestría en Fotografía y Artes Visuales en Forma-Naba (Milán). Es egresada del programa 2014-2015 del Máster Latinoamericano de Fotografía Contemporánea (maldefoco) del Centro de la Imagen. En el año 2010 fue elegida como parte de “Regeneration”, proyecto creado por el Musée de l´Elysee en Lausana, Suiza. Ese mismo año es finalista en el Lacoste Elyseé prize. Sus proyectos se han expuesto en ciudades como Arles, Amsterdam, Barcelona, Londres, Lausana, Lima, Milán, Miami, Nueva York, Ping Yao, entre otras. Ha participado en más de 17 muestras colectivas, tanto en el exterior como en el Perú y cuenta con 5 exposiciones individuales realizadas en Perú, Estados Unidos y Chile.

    www.camilarodrigo.com

  • Hugo Vásquez

    (Piura, 1983). Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Piura y Fotografía en el Centro de la Imagen en Lima. Ha cursado talleres de especialización fotográfica con Ananké Asseff, Alejandro Castellote, Maricel Delgado, Denise Gadelha, Clara Megías, Roberto Huarcaya entre otros destacados profesionales. En su carrera ha realizado cuatro exposiciones individuales: “Sociedad” (Alianza Francesa, 2009), “Visitantes” (Galería El Borde, Centro de la Imagen 2011), “Ocultamiento” (Galería El Ojo Ajeno, 2013), "Hay un más allá" (Galería El Ojo Ajeno, 2016). Ha participado en exposiciones colectivas y ferias de arte como Limaphoto, PARC, Buenos Aires Photo, Art Basel Miami. Fue finalista del Concurso Pasaporte para un Artista de la Embajada de Francia los años 2009 y 2011 y del Salón Nacional de Fotografía del ICPNA los años 2008 y 2013. En 2015, la Fototeca Latinoamericana (FOLA) de Argentina adquirió algunas de sus obras para su colección permanente. 

    www.hugo-vasquez.com

  • Jason Sullivan

    (Lima, 1976). Estudió Fotografía en el Instituto Antonio Gaudi (actualmente Centro de la Imagen) entre 1996 y 1998 y posteriormente, entre el 2000 y 2001, el máster de fotografía de la Escuela de Fotografía e Imagen-EFTI en Madrid, España. Desde el 2000 ha participado en colectivas en Perú, Estados Unidos y España. Entre ellas destacan “Córdoba y su gente” Galería Efti 2000 (España), “100th exhibition” Fraser Gallery (Washington DC, Estados Unidos), “Proyecto Imagen” Centro Cultural de la Universidad de San Marcos (Perú). Participó de muestras colectivas como “Lima me mata” en la Galería John Harriman y “Photoshop” y “SET/ACTION colectivo fotográfico” en la galería Vértice, ambas en Lima. En el 2006 fue finalista del Concurso Nacional de Fotografía del Centro Cultural de Pontificia Universidad Católica del Perú “Los peruanos hoy”; en el 2008 ganó el segundo puesto del 2ndo Salón Nacional de Fotografía del ICPNA y en el 2012 fue finalista de la tercera edición del mismo concurso. En el 2012 presenta su primera muestra individual, “Trípticos”, en la galería El Borde y en el 2014 realiza su segunda individual, “Olvidos”, en la galería El Ojo Ajeno, como parte de la II Bienal de Fotografía de Lima. Además de su trabajo artístico, Jason es un destacado fotógrafo de bodas.

    www.photojasonsullivan.com

  • Javier Ferrand

    (Lima,1952). Estudió dibujo en el taller de Cristina Gálvez en Lima y luego realizó estudios de Diseño Gráfico y de Diseño Industrial en la Escuela Politécnica de Diseño en Milán entre 1971 y 1974. Un año después siguió estudios de Fotografía en el Instituto Europeo de Milán. De regreso en Lima, formó parte del grupo de fotógrafos vinculados con la Fotogalería Secuencia, dirigida por Fernando La Rosa y luego por Mariella Agois. Paralelamente, desarrolló una de las carreras más destacadas en fotografía comercial en Lima. El 2014, en el marco de la II Bienal de Fotografía de Lima, se presenta en el Museo de Osma “40. 1974-2014. Javier Ferrand. Fotografías” una muestra retrospectiva de su trabajo personal, hasta entonces apenas conocido. Desde entonces participa en diversas muestras colectivas y ferias de arte. En setiembre de este año presentará Entremundos, su nueva muestra individual en El Ojo Ajeno.

    www.javierferrand.com

  • Johnny Chávez

    (Lima, 1985). Estudió Fotografía en el Centro de la Imagen de donde egresa el año 2007. Ha participado en varias exposiciones colectivas, entre las que destaca “Diana a todo color”, parte de la I Bienal de Fotografía de Lima (2012). Ha realizado dos exposiciones individuales: “Impulso” (galería El Ojo Ajeno, 2012) y Develar (galería El Borde, 2015). Este último trabajo fue presentado también en la feria internacional de galerías de fotografía BA PHOTO (Buenos Aires, 2015). Ha realizado estudios de especialización en digitalización de fotografía análoga en el International Center of Photography de Nueva York y se desempeña como consultor del Centro de la Imagen en este ámbito. Es, además, profesor de la carrera de Fotografía Profesional del Centro de la Imagen.

  • Jorge Heredia

    (Lima, 1958). Estudió en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú, donde fue alumno de los conocidos fotógrafos Billy Hare y Mariella Agois. Estudió también cine en Seton Hall University en Nueva Jersey, Estados Unidos. Su amplia y diversa obra fotográfica ha sido presentada en varias galerías limeñas a lo largo de los años; entre sus individuales destaca “Ritual”, que se convertiría en un libro del mismo título. Exhibió en El Ojo Ajeno la muestra individual “Se Vende-No se vende” en el año 2013 y para el 2014 participa de la II Bienal de Fotografía de Lima también con una exposición individual, “Lima vista de la calle”, en la galería Pancho Fierro. Además de la fotografía se ha dedicado al cine, a la poesía, a la crítica y a la traducción. Reside en Amsterdam desde más de 30 años. Visita el Perú regularmente.

  • Roberto Huarcaya

    (Lima, 1959). Estudia Psicología en la Pontificia Universidad Católica del Perú, Cine en el Instituto Italiano de Cultura y Fotografía en el Centro del Video y la Imagen (Madrid) en 1989, año en que comienza a dedicarse a la fotografía. Es fundador y director del Centro de la Imagen de Lima. Ha participado en numerosas bienales: La Habana (1997), Lima (1997, 1998 y 2000), Venecia (2010), Daegu, Corea del Sur (2014). Asimismo en festivales como Primavera Fotográfica de Cataluña (1998), PhotoEspaña (1999), Mois de la Photo, Francia (2001). Tiene once exposiciones individuales y participa en exposiciones colectivas en países como EEUU, Francia, España, México, Brasil, Chile, Argentina, Venezuela, Japón, Alemania, Holanda, Corea, entre otros. Ha obtenido numerosos premios en Perú, Alemania, Francia, Argentina, Mexico, Estados Unidos, Chile, Cuba y Brasil. Su obra forma parte de la Maison Européenne de la Photographie en París, del Fine Arts Museum of Houston, del MOLAA Museum of Latin American Art de California, del CoCA Center on Contemporary Art de Seattle, de Lehigh University Art Collection, Museo de Arte de Lima, del Museo de San Marcos en Lima, de la Fundación América en Santiago de Chile, del Centro de Arte Contemporáneo Wilfredo Lam de La Habana, entre otros y de colecciones privadas.

    www.robertohuarcaya.com

  • Samuel Chambi

    (Lima, 1983). Estudió Fotografía en el Centro de la Imagen en Lima, entidad en la que se desempeña como docente y en la cual dirigió el área de impresiones. Ha participado en varias exposiciones colectivas, como “El show de Diana”, parte de la I Bienal de Fotografía de Lima (2012), “ComparArt” (Museo de la Nación, Lima 2014 y 2016), “El peregrino, una mirada fotográfica” (Centro Cultural de España en Lima, 2014) y en “Fotografía transversal”, galería El Museo (Bogotá, 2015). En 2012 fue finalista del premio Repsol-LimaPhoto y en 2014 obtuvo una mención honrosa en el mismo concurso. Ese mismo año obtuvo el primer premio en el Salón del Fotografía del ICPNA, en el marco de la II Bienal de Fotografía de Lima. En el 2015 presentó “Principios de fotografía”, su primera individual, en la galería El Ojo Ajeno.

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Dirección:
Av. 28 de julio 815 Miraflores
Horario de visitas para las exposiciones:
Lunes a viernes de 9am a 9pm y sábados de 9am a 3pm

Contacto:
ctrivelli@centrodelaimagen.pe
ojoajeno@centrodelaimagen.edu.pe

Teléfono: 
4446999 anexo 226